Son muchas las parodias y críticas que se han hecho respecto a la relación amor-odio que los fans de Star Wars tenemos con el absolutamente genial y estúpido George Lucas. Van desde (más por el lado de la alabanza, pero con reservas) la película “Fanboys” hasta el reciente y super recomendable documental “The People vs George Lucas”, cuyo trailer pueden ver a continuación:

Pero sin dudas uno de los mayores homenajes y el símbolo de esta época, en lo que a apropiaciones de la obra por parte de los seguidores se refiere, es el lanzamiento de Star Wars Uncut, una película hecha de manera comunitaria por seguidores y cineastas amateur de todo el mundo. La intención fue que cada uno grabara, con lo que tuviera a mano, escenas lo más fielmente retratadas de la primera película de la franquicia, para luego ser montado todo junto y tener una versión alternativa y muy lisérgica de la película.

Los encargados de darle sentido a todo fueron  Casey Pugh y Jamie Wilkinson, que en su web StarWarsUncut.com fueron actualizando el estado del proyecto. Para organizarse, partieron la película en 472 segmentos con una duración de 15 segundos cada uno. Dicen las buenas lenguas que cuando la gente de los premios Emmy distinguió el proyecto que se gestaba hace dos años, el mismísimo George Lucas le dio su bendición.

Semejante trabajo se completó y hoy el film completo puede verse en Youtube. Son segmentos de filmaciones de bajo presupuesto, animaciones de lego, animación cuadro por cuadro con el material que se imaginen y mucho, mucho amor por Luke Skywalker y los suyos, por sobre todas las cosas.

Me voy con una frase horriblemente trillada y que le viene demasiado bien a este caso… la unión hace la Fuerza.

Si este post te gustó, los próximos te van a encantar:

- Murió Bob Anderson 

- Mark Hamill

- Pequeñas anécdotas sobre las colecciones

- Carrie Fisher

Con la llegada a los cines de “The Adventures of Tintin”, la gran adaptación del comic de Hergé a cargo de Steven Spielberg, Peter Jackson y Steven Moffat, no hay mejor ocasión para hablar de esas otras películas menos conocidas, pero que son más que llamativas. Hace mucho en el blog habíamos hablado de éstas, pero en ese momento eran difíciles de conseguir online.

Por ahora, y hasta que la Ley SOPA, Sinde o la que sea nos lo impida, se pueden ver en Youtube con subtítulos en inglés. Se trata de dos producciones francesas, una de 1961 y la segunda de 1964. Son live action, por ende los personajes están caracterizados como los de los comics, pero llevado a un mundo realista, lo cual le da un aspecto bastante insólito pero divertido a la película. Ah, y hasta ahora no he visto un Haddock tan bueno como el de estas producciones, perdón Andy Serkis.

Quizás sean un elementos de culto un tanto hardcore para la mayoría, pero quienes se daban panzadas de Tintín en las tardes de Cartoon Network, y mucho antes también, seguro le encontrarán su gustito.

FIGHT THE FUTURE!

sopastrike.com

En 2011 tuvo lugar una de las siempre efectivas y nostálgicas reuniones de casting. En este caso fue de los actores, guionistas y productores de la icónica serie de la década del 90 “Las Aventuras de Pete y Pete”.

Este programa fue todo un símbolo de una época en la que la televisión estadounidense comenzó a producir una gran cantidad de programas con el humor absurdo y negro como eje fundamental. Rápidamente se convirtió en una serie de culto y fue por eso que en noviembre de 2011, en la ciudad de Los Angeles, volvieron a reunirse Danny Tamberelli (Pete chico), Mike Maronna (Pete mayor), Toby Huss (Artie el hombre más fuerte del mundo), Katherine Dieckmann (guionista), Will McRobb y Chris Viscardi (creadores) y  Joe Stillman (Guionista).

Pueden revivir el emocionante momento y las palabras de sus protagonistas en el siguiente video:

Si este post te gustó, los próximos te van a encantar:

- Hard Day’s Pete

- La música detrás de Pete y Pete

- Los cortometrajes de Pete y Pete

Tantos años de pregonar la igualdad entre humanos y mutantes, tantas décadas de trabajo del profesor Charles Xavier en incluir a sus chicos en las filas de la humanidad para que venga un grupo de abogados y echen por la borda tanta lucha por los derechos mutantes. ¡Habrase visto!

La noticia que publicó el gran portal de noticias de ciencia ficción io9.com habla de una extraña noticia que tuvo lugar en el ejército de abogados contratados por Marvel para abaratar costos de muñecos. Según cuenta este portal, los abogados de la empresa editora de comics y toda su parafernalia de figuras de acción, inició una gran campaña para… demostrar que los mutantes no son humanos. ¿Con qué objetivo? Evitarse los altos costos de impuestos que se le ponen, por ley, a los muñecos que representan seres humanos, no así a los que son monstruos o criaturas fantásticas, por ejemplo.

“Los juguetes producidos en diferentes países y luego importados a los Estados Unidos deben pagar impuestos. Y los impuestos por cada tipo de juguete varían, dependiendo de su descripción y características. Específicamente, los “muñecos” son juguetes que representan a algún tipo de humano y los “juguetes” a secas representan a un no-humano, por ejemplo robot o animales. Y los no-humanos reciben impuestos de importación muy menores a los de los humanos, un 6,8% contra un 12%.”, relata el portal.

¿Eso singifica que, en caso de ganar el litigio los juguetes de muties pasarían a valer mucho menos? No, gracias, los humanos seremos iguales entre nosotros pero por esos sucios mutantes seguiremos pagando altos precios de venta al público mortal. De todos modos, un tema a tener en cuenta es que Marvel no se chupa el dedo en cuanto a restricciones y no casualmente es una de las empresas que se sumaron a la ley SOPA, que impone un impuesto a las fotos y demás documentos protegidos por derecho de autor que son subidos a la web, bajo el engañoso lema de Stop Online Piracy Act.

Dentro del cine hay quienes dan un toque personal, que pasa a convertirse en algo absolutamente simbólico y fundamental pero que, por esas vueltas de la vida, nunca son relacionadas popularmente a un nombre. Quedan como eso, símbolos y ya. Pero cuando esos nombres mueren, pasan a ser conocidos y todo es puesto en perspectiva. El primero de enero murió Bob Anderson, un hasta ahora “perfecto desconocido” para el público, pero fuertemente ligado a Star Wars y todo su batallón de revoluciones técnicas cinematográficas.

Claro que había quienes sabían que en Empire Strikes Back no había sido el actor David Prowse quien se calzó el traje de Darth Vader para cortarle la mano a Luke, sino el experto espadachín que estaba a cargo de las coreografías. La enorme estatura de Prowse y su poca maña para las escenas más complicadas de esgrima, le permitieron a Anderson formar parte del climax de la mejor película de Star Wars, en el momento mismo en que el jedi interpretado por Mark Hamill era amputado y llegaba la revelación más importante de la saga.

Pero la carrera de Bob es mucho más que unos breves aunque intensos segundos bajo la máscara del lord sith. Nació en 1922 y fue campeón olímpico de esgrima en representación de su Inglaterra natal. Durante décadas fue el cerebro detrás de los entrenamientos más exigentes del cine en materia de espadas. Participó de películas como Highlander, The Princess Bride, The Lord of The Rings y Died Another Day. Llegó a participar en la pre producción de la primera película de The Hobbit, a estrenarse en el transcurso de este año. Esa fue su última colaboración, con nada menos que 89 años y una vida dedicada a que los combates en pantalla fueran épicos en todo el sentido de la palabra.

También tuvo sus apariciones y cameos. En la misma Empire Strikes Back fue un oficial durante la batalla de Hoth y en el serial “The Enemy of the World” de la excepcional serie Doctor Who también tuvo una participación frente a cámaras. Su inmensa filmografía se completa con haber participado en la producción de Los Tres Mosqueteros, La Máscara del Zorro y Piratas del Caribe.

Es posible que el 90 % de las espadas de Hollywood hayan llevado su nombre y son ciertos los actores y celebridades que escucharon sus clases magistrales para convertirse en diestros espadachines cuando se encendías las luces. Pero, como muchos de los que se sumaron a la maquinaria del cine, hay quienes quedaron tras las cámaras, sin que sus nombres fueran conocidos. Un caso menos extremo, pero parecido en algún punto al de Anderson, fue Irvin Kershner, director de Empire Strikes Back, cuyo rostro algunos no conocían hasta el día de su muerte, pero que sin dudas fue el alma mater, acompañado de otros como Anderson, en articular una de las más destacadas producciones de ciencia ficción moderna.

Afortunadamente, el cine hará a Bob tan inmortal como su amigo Highlander.

¿Qué une a todos los 28 de diciembre? Las noticias insólitas, esas que se extienden por la red como la peste y, después de unos minutos de reflexión, quedan al descubierto. El día de los inocentes se renueva año a año y en 2011 no fue la excepción sólo que esta vez hubo algo particular: el chiste o desinformación de uno se convirtió como por arte de magia (o de internet) en una noticia mundial que casi nadie se detuvo a chequear. Aún si la respuesta aparecía con sólo dudar de datos absurdos o buscando un poco más que en las dos primeras páginas de resultados de Google.

La novedad llamativa de hoy tuvo que ver con el anuncio de la muerte de un chimpancé llamado supuestamente Jiggs, que a sus 79 años (atenti) fallecía de una falla renal. Lo particular de este mono, decía Wikipedia antes de ser editada de un minuto a otro, es que se trataba del animal encargado de interpretar a la famosa Mona Chita (Cheeta) en las películas de Tarzán de la década del ’30.

Acá, las capturas del artículo de Wikipedia en español antes de ser modificados (clic para ver en tamaño real) y posiblemente el que lanzó la gran confusión reinante:

Personalmente creo que fue un chiste de alguien, y el día en cuestión abona la teoría. Aunque lo cierto es que pocos minutos después el artículo fue modificado (pueden leer el comentario de Jem en el blog, la persona que corrigió el primer artículo).

Los datos aquí habían cambiado y aunque ya se resolvía el principal error (que Jiggs, el mono que hacía de Chita en las películas no había muerto en 2011… sino en 1939), todavía quedaban algunas cosas por aclarar:

El artículo recibió una tercera edición más tarde, posterior a la actualización de este blog, y se explicó con mayor claridad la existencia de dos “falsas” Chitas que, con sus historias mezcladas y sin que los medios lo chequearan, hicieron crecer la desinformación virtual.

Entonces.. ¿quién era el tal Jiggs? ¿Quién es “la falsa Cheeta” de Palm Springs, Florida? ¿Qué tiene que ver en todo esto el refugio de animales de Palm Harbor, California? Esos son los elementos de esta confusa historia.

Jiggs fue un chimpancé macho que interpretó a Chita, junto a otros monos que hacían otro tipo de gracias, en los 30. Lo cierto es que murió en 1939, cuando apenas tenía 9 años. Su entrenador, al parecer, compró otra mona (hembra) y por mucho tiempo aseguró que era la misma de las antiguas películas. Esa historia dio lugar a un viejo y ya aclarado  fraude.

Pero empecemos a sospechar. Un dato sumamente llamativo era la edad del chimpancé. Para haber nacido en la década del ’30 y estar con Johnny Weissmüller, el mono o mona que murió hoy era insólitamente anciano. Lo que encendió la falsa noticia fue que hoy había muerto a los 79 años, y aunque su supuesto galardón del Guiness lo nombraba como el chimpancé más longevo del mundo, lo cierto es que la edad tope a la que llegan los monos en cautiverio ronda los 60 años.

Todo partió de dos historias mezcladas: un fraude que tuvo lugar en los 90, se reveló en 2007 y fue asumido por sus supuestos impulsores en 2008 en California y, en segundo lugar, por la noticia de un refugio de animales de Florida en el que murió una mona llamada Chita, pero que nunca se dijo que fuera la de las películas de los 30. Pero, no por eso, la primera historia deja de ser interesante de leer, como todo mito cinematográfico.

La falsa Cheetah a partir de la cual fue creciendo esto es al parecer la mona más vieja que tiene el entrenador Dan Westfall en su refugio para simios que han sido usados en el mundo del espectáculo.

En la ficha de información de la mona que figura en la página de la organizacion, hace la siguiente aclaración:

Here’s an update to Cheeta’s unusual story. Uncle Tony told Dan that Cheeta was one of the original chimps starring in Tarzan movies from the 1930s and 1940s. Several years ago, Dan started working with a writer on Cheeta’s biography. Dan wanted someone to tell the story of Cheeta’s life as the world’s oldest chimpanzee and as one of the original chimpanzees appearing in the old Tarzan movies. By December 2007, the writer’s research had unexpectedly revealed that our Cheeta is unlikely to be as old as we’d thought, although he is clearly old. It is also difficult to determine which movies, if any, our Cheeta may have been in. As a result of this discovery, we updated our website as soon as we could, by late January 2008, to reflect the information putting Cheeta’s life history in doubt.

Aquí hay una actualización de la inusual historia de Cheeta. Tony le había dicho a Dan que Cheeta fue una de las chimpancés originales que protagonizaron las películas de Tarzán de 1930 y 1940. Años atrás, Dan comenzó a trabajar con un escritor en la biografía de Cheeta. Dan quería a alguien que contase la historia de Cheeta como el chimpancé más viejo del mundo y una de las chimpancés originales que aparecieron en las películas de Tarzán. En diciembre de 2007, la investigación del escritor reveló algo inesperado: nuestra Cheeta era menos vieja de lo que pensábamos, aunque claramente era vieja. Es difícil determinar en qué película, si es que la hubo, participó nuestra Cheeta. Como resultado del descubrimiento, actualizamos nuestro sitio web lo más rápido que pudimos, en Enero de 2008 para reflejar la información que fue puesta en duda sobre la vida de nuestra Cheeta.

En síntesis:  Uncle Tony (el entrenador del verdadero Chita original, Jiggs) le contó a Dan una mentira y creció como bola de nieve, al igual que todo mito. Dan lo creyó y lo sostuvo, hasta que se descubrió que no era cierto.

En este link, está la investigación de un periodista del Washington Post, encargado de escribir la biografía.

Esta Cheeta (que es hembra y todo indica que sigue viva), sí participó en el cine, pero no se sabe exactamente en qué películas. Nació en los ’60, así que nunca pudo ser la misma de las películas de Weissmüller. La historia, al parecer real, está en la página del refugio… llamado también C.H.E.E.T.A. (creative habitats and enrichment for endangered  & threatened apes). El refugio se inició en abril de 1991 y está ubicado en Palm Springs CA 92263.

Pero hay más: se cree que otro refugio de primates originó esta confusión mundial. Se trata del Suncoast Primate Sanctuary de Florida que en su página web lanzó la breve noticia:

It is with great sadness that the community has lost a dear friend and family member on December 24, 2011. Cheetah, star of the Tarzan films, passed away after kidney failure during the week of December 19, 2011. The Sanctuary’s residents and volunteers would like to thank all of the community members for their continued support as the Sanctuary continues to expand on the legacy and foundation Cheetah continues to oversee as he watches over his supporters, friends, and family.

En la página de Facebook de este segundo refugio, el público no sólo se sorprende por la noticia… sino por vivir en la misma ciudad y nunca haberse enterado que la Mona Chita estaba en el refugio. Ídolos.

Ahora bien… ¿el refugio hizo la broma sin esperar que se convirtiera en una noticia mundial? Leyendo con detenimiento, en la noticia nunca dicen que la mona fuera de los 30, entonces… ¿el autor del primer artículo de Wikipedia aprovechó la confusión para mezclar todo con la historia de la falsa Chita? Lo cierto es que en portales en inglés comenzó a circular la misma falsa noticia. ¿Qué hay del refugio CHEETA de California y su loca historia? Como diría Deep Throat en X-Files: no confíes en nadie. Y menos hoy. Y menos con Wikipedia.

Este artículo será modificado a medida que se aclare nueva información. 

Para leer sobre otros animales actores, pueden pasar por esta entrada del blog.

No nos vamos a poner autóctonos justo en las fechas más globalizadas de este lado del mundo!! Así que, el modo de celebración en el blog recordaremos algunos especiales navideños de las series de la década del noventa, en la pantalla de Nickelodeon, cuando todavía usaba su nombre largo. Porque, hay que decirlo, más allá de las creencias de cada uno, lo más divertido de la navidad era tener 8 años y ver los capítulos de dibujos animados que emitían durante todo el día los canales.

ARNOLD’S CHRISTMAS

Hey Arnold, una de las series más simples y hermosas que dio aquella década, tuvo su especial navideño en 1996. Retomaba todos los plots clásicos de la serie con la necesaria enseñanza familiar al final. El centro lo tomaba Helga, que buscaba el regalo perfecto para Arnold y que le asegurara el amor de su compañero de clase.

Paralelamente se desarrollaba una historia nostágico-trágica, bien de golpe bajo navideño, en la que el señor Hyun, uno de los inquilinos de la casa de los abuelos de Arnold, recordaba a su hija perdida en la guerra de Vietnam. Mientras Helga le sumaba porotos al consumismo, el eternamente buen Arnold se dedicaba a buscar a la hija perdida para asegurar la fiesta familiar.

(versión en inglés)

(versión en español latino)

A RUGRATS HANUKKAH

Como siempre la serie Rugrats daba en la tecla con la originalidad y, si bien en toda la serie hay alusiones a las festividades católicas, dado la familia Pickles es judía ellos celebraban Hanukkah. Y en un episodio especial y bastante educativo por cierto, explicaban de qué se trataba esta celebración tantas veces omitida en la TV.

THE SANTA EXPERIENCE

Para los televidentes cristianos o que festejaban la navidad con toda la parafernalia de Papá Noel, los Rugrats también tuvieron en diciembre de 1992 su especial navideño. Lo interesante es que no se elevaba, al menos desde el vamos, la figura de “Santa” como algo genial, sino que Carlitos le tenía miedo, Angélica empezaba a odiarlo porque un falso Papá Noel de shopping dudó si podría regalarle la última edición de la muñeca Cinthi y Tommy, más lanzado, decide atrapar al gordo para demostrarle a Carlitos que es inofensivo.

(versión de video de mala calidad)

ROCKO’S MODERN CHRISTMAS

La gran serie que ha conocido la humanidad tuvo su especial navideño, que funcionó como un gran crossover de personajes recurrentes. En un comienzo, Rocko planea una pequeña reunión en su casa con sus amigos íntimos, pero se va pasando el dato entre todo el pueblo y así llegan a su casa Heffer y su familia, más Filburt y su familia, más el Gran Gran Hombre… y Gordon, el pie… más el cerdo salvaje.

(versión en inglés)

(versión en español latino)

CHRISTMAS AT EUREEKA’S CASTLE

La serie de las marionetas semi mediavales también tuvo su especial emitido en 1990, que contaba cómo todo el castillo se preparaba para la gran fiesta de navidad pero, como en toda superproducción, las cosas empezaban complicándose.

Promo:

DOUG’S  CHRISTMAS STORY

Otra genial y costumbrista serie de la factoría Nick tuvo su momento de arbolitos y regalos en 1992. Pero, lamentablemente, en internet sólo está disponible para ver online el especial de navidad de la serie cuando la compro y relanzó Disney. Si tienen ganas…

HAVE YOURSELF A THORNBERRY LITTLE CHRISTMAS

La familia rodante que iba de safari en safari festejó la navidad cuando la década del noventa estaba en sus últimos días y el resultado fue este capítulo.

THE MOST HORRIBLE X MAS EVER

Nada que agregar. Invasor Zim siempre, siempre, supo escupirle el asado con maestría a todas las creencias. Navidad no se quedó afuera.

A ROCKET X-MAS

Otto y Reggie organizan unos tours por la playa para juntar dinero y comprarle un buen regalo a su padre. Los chicos más extremos (seh…) de la tele le pusieron su dosis de skates a la pantalla ya en 2003.

A VERY CATDOG CHRISTMAS

SABRINA, THE TEENAGE WITCH

Era una costumbre que a lo largo de todas las temporadas de Sabrina hubiera especiales por determinadas fechas. Acá, algunos de los navideños que más vale la pena recordar.

Temporada 1

Temporada 2

Temporada 3

Temporada 4

Temporada 5 (ya estaba en la universidad, verlo ya corre por cuenta de cada uno)

1. Mundo ordinario
Cuarto hermano de siete. Hijo de capitán de la armada de Estados Unidos, familia rodante. Era un nombre común entre nombres comunes: Mark, hijo de William y Suzanne, hermano de Willie, Terry, Jan, Jeanie, Kim y Patrick. Un nómade que se mudó hasta perder la cuenta, aunque si se debe centrar su vida en una ciudad, esa es Oakland, la que lo vio nacer. Nada en él presagiaba lo extraordinario, a pesar de la poco excepcional excepción de ser zurdo.

2. La llamada de la aventura

Soñaba con ser actor, como tantos, pero sus hermanos médicos le sacaban suspiros a papá y mamá. En la escuela probó suerte en las tablas y aunque pudo haberle dado algunas satisfacciones, su incipiente carrera debió mudarse una temporada a Japón, nuevo escenario laboral del patriarca Hamill.

En modernos televisores de la década del 50, Mark aprendió rudimentos del japonés junto a Lucille Ball y su “Yo amo a Lucy”. De la pantalla aún lo separaba ese abismal camino, la pantalla misma. Por el momento, sus sueños sólo se traducían en puestas escolares y niponas de Peanuts, con él como Snoopy.

3. Reticencia del héroe o rechazo de la llamada

Llegó 1969 y con el cambio de décadas pisando los talones, la familia retornó a California. Mark estaba cerca de los 20 y las ganas de actuar ya pasaban a ser algo muy parecido a la vocación. Así, cambió las balas de Vietnam y las ilusiones bélicas de su padre por dos años de enseñanza teatral en Los Angeles City Collage.

Sintió el calor de los focos un año después de su regreso a la tierra natal. Fue en “El show de Bill Cosby”, primer paso de los difíciles meses como actor de reparto. Llegó a tener un personaje, el primero de su carrera, en  ”Hospital Central”. Dejó de ser Mark para ser Kent Murray y vio cómo su nombre lo abandonaba un rato. Esta vez por un rato.

4. Encuentro con el mentor o ayuda sobrenatural

La primera vez que se sentó ante un tipo de voz rasposa y barba tupida fue en el casting de “American Graffiti”. Pero George Lucas no estuvo interesado en él y quizás Mark se retiró resignado y sin cruzar la vista con un Ron Howard, algún Richard Dreyfuss o un tal Harrison Ford que habrían tenido mejor suerte esa tarde. Volvería a cruzarse con éste último en los últimos meses de 1976, en las audiciones de “Star Wars”, algo que sonaba más a locura académica que proyecto propiamente dicho. Cuando supo que tenía el papel, se enteró del nombre que llevaría para el resto de su vida. Señor Luke Skywalker, ha sido aceptado para tomar el lugar de Mark Hamill.

5. Cruce del primer umbral

De pronto la idea loca del gordito que se sentaba atrás de cámara y no hablaba demasiado con los actores pasó a convertirse en algo grande. De esas cosas grandes que dan vértigo y curiosidad a la vez. Star Wars pasaba a transformarse en algo que se parió con negativas, trabas y desazones, pero que más tarde llenaba salas, más de las pautadas. De repente se trataba del evento del año, el suceso de la década, el comienzo de una era. Como una bola de nieve, la ignota cada del pibe de Oakland era el símbolo del último coletazo de los 70 y nadie sabía, siquiera, cómo se llamaba realmente. Lo cierto es que ya cobraba 650.000 dólares, con todo lo que implicaba hace 30 y pico de años.

Pero había algo, además de su unión de aquí a la eternidad con todo lo que significara George Lucas, y era un contrato con la ABC que lo había atado a la serie ”Eight Is Enough” el mismo año en que debutaría con el sable laser. Quiso aprovechar el título del programa y ponerle fin a esa unión pero los productores, sabiendo que estaban ante la próxima figurita difícil de Hollywood, le aseguraron que si él no participaba la serie sería cancelada. Y los juicios tenían nombre de Jedi como responsable.

6. Pruebas, aliados y enemigos

Una noche Mark se subió a un BMW que había comprado poco tiempo antes y lo manejó a toda velocidad por la autopista. Es que su vida iba más rápido y no pudo alcanzarla ni siquiera cuando salió volando por el parabrisas y su cara de comercial de cereal que inundaba las revistas se convirtió en poco más que una parodia. Tuvo varias operaciones debido a la fractura de pómulo y nariz, y aunque al principio sólo fueron cicatrices y una perceptible hemiplejia, los médicos le advirtieron que con los años el panorama empeoraría.

No volvió a la serie de ABC y “Empire Strikes Back” tuvo su escena ad hoc en los fríos escenarios de Hoth para justificar la convalecencia de su protagonista. Un Wampa (criatura ficcional de las nieves) puso en canon ese atolondrado giro dramático en la vida de Hamill.

 7. Acercamiento

La fama absoluta lo anestesió hasta 1983. No había palabras para describir a Star Wars más allá de esas dos mismas palabras. Mark era un poster, una taza, un muñeco, una lunchera, una revista, una remera, era muchos, demasiados dólares. Vivía en la ilusión de que el cuento de Lucas no terminaría nunca y hasta ese último momento en que Luke se irguió sobre el cadáver calcinado de Vader, Hamill supo que su vida real estaba en stand by.

Las ofertas alternativas, además, no escaseaban. Era Luke haciendo de Kenneth en “Corvette Summer”, de Griff en “The Big Red One”, de Conrad en “The Night the lights went out in Georgia”, de Red en “Hospital Britannia”, de Jonathan en “Amazing Tales”, de Danny en “Alfred Hitchcock Presenta: Man on the edge”… pero era siempre Luke Skywalker.

8. Prueba difícil o traumática

Un día hubo que levantar campamento. El staff a pleno aplaudió la última escena rodada de “Return of the Jedi” y de pronto se terminó la fiesta. Quedaban los fans y los ahorros, pero se venía lo difícil: volver a ser Mark Hamill. Cuando el mundo vio el duelo final, más verbal que físico, entre Luke y Vader, el chico real estaba pateando los caminos de Estados Unidos con la gira de la obra que lo tenía por protagonista, “Amadeus”. Ya se tanteaba una versión fílmica y Mark encontraba el lugar para despegarse de Skywalker antes de que le empezara a pesar demasiado.

Daba el perfil, tenía experiencia, tenía éxito, pero Tom Hulce tenía todo eso y no tenía a Star Wars. Cuando a Hamill le negaron repetir su papel de Mozart en la película de 1984, cuenta la leyenda que una voz anónima de productor le sintetizó a su peor enemigo: “Luke Skywalker no es Mozart”.

Durante casi una década Mark Hamill prácticamente desapareció del mapa. Sus roles en películas eran espaciados, cuando no olvidables y vivía de una suerte de subsidio que Lucas le daba a los actores de Star Wars para que no cayeran, en su mayoría, en la miseria. Mark ya tenía tres hijos, poco más de 30 y un problema de identidad pocas veces visto. Mientras que todos los conocían por su personaje más importante, su aspecto se dedicaba a alejarlo cada vez más de ese lugar. Era, pero no era.

9. Recompensa

Había algo, una sola cosa, que permanecía como siempre: la voz. Ya había probado suerte en su año bisagra (1977) en “Wizards” y aunque por algún tiempo su carrera en el doblaje fue tan accidentada como su vida, todo cerró como en un cuento. En 1993 se le animó al Joker, en Batman: mask of the phantasm. Y entonces todo volvió a su lugar. Su cara ya no era obstáculo, en ningún sentido, y desde ese momento se convirtió en la voz oficial, más querida y más reclamada del villano de Bruce Wayne.

10. El camino de vuelta

Su carrera en los 90 pivoteó entre un papel en “El Pueblo de los Malditos” y su personaje fijo en “Wing Commander”. También despuntó el fanatismo por los comics en su rol como guionista y creador del título “The Black Pearl”. Un resurgimiento humilde, de esos que hacen más honesto el regreso.

Quedaba el fantasma de Luke Skywalker, cosa que las cartas de los fans se encargaban de recordarle. Eran épocas turbias para todo el elenco, que brindaban desde un banalizado estrellato a Harrison Ford hasta ‘la caída libre de Carrie Fisher, como lado B de todo lo que ya era pasado.

11. Resurrección del héroe

Mark logró ganarle la pulseada a Skywalker de la manera más hábil: dejándolo ser. Pasó a asumir el lugar de ícono viviente participando en capítulos de Los Simpsons, Third Rock From the Sun y ”Jay and Silent Bob Strike Back”.  Por fin en 2004 se le animó a la dirección y así salió “Comic Book, the movie”. Volvió a los eventos de comics y de a poco le fue molestando menos seguir en ese viaje que nunca termina.

12. Regreso con el elíxir

Hoy cumple exactamente 60 años. Y, como lo dicho en honor al aniversario de Carrie Fisher…

¡Gracias por ser Mark Hamill!

Nada que envidiarle al primer mundo. Ellos tienen a Roger Rabbit y a Alf, pero nosotros tuvimos a una fusión de ambas cosas: Mi Familia es un Dibujo. Y, a modo de bonus track, nos pusieron en continuidad a Chuavechito eslogan publicitario de un suavizante para ropa, como modo de crossover de animación nacional. Estamos en las grandes ligas!!

Bueno, “Mi Familia es un dibujo” era una serie llamativa, entre otras cosas porque suena a superproducción, pero para muchos era más bien medio pelo. Independientemente de la calidad, sin dudas quienes teníamos la edad adecuada (y algunos que no, también) la vimos en los dos años que duró en la pantalla de Telefé. Y, por qué no decirlo, es probable que muchos repitan la psicodélica experiencia todas las mañanas actuales por el mismo baticanal.

Es que Dibu regresó, no en forma de fichas, pero sí para suplir esa cuota de producción nacional que todos los canales buscan tapar con un madrugador Paka Paka o Panam cantándole canciones a Mirtha Legrand. Se hace lo que se puede.

Volviendo al programa en sí, vale decir que fue una creación de Carlos Olivieri y Alejandro Stoessel. Fue emitido entre 1996 y 1998 y su puntapié era muy simple: en una moderna familia de ex divorciados clase media baja noventosa (papá taxista, mamá reinsertándose laboralmente y tres hijos de otro matrimonio), nace un dibujo. Bajo un verosímil que roza la locura, en el primer capítulo vemos a Marce (Stella Maris Closas) en la sala de parto y limpiamente da a luz al dibujo de un nene pelirrojo, que ya habla y está completamente vestido. Chimpum! Papá Pepe (Germán Krauss) queda algo descolocado, naturalmente, pero al no tener ningún sospechoso amigo en dos dimensiones, no le queda otra opción que aceptar que sus genes son un poco atípicos.

El elenco infanto juvenil lo completaban Víctor (Facundo Espinoza), Caro (Marcela Kloosterboer) y Leo (Andrés Ispani, se lo solicita en la vida pública!). En el papel del abuelo con cama adentro encontramos al gran Alberto Anchart.

Y básicamente Dibu contaba las desventuras y andanzas de un dibujo animado que no podía ser visto por nadie, pero se metía continuamente en problemas, perdiéndose en la calle, conociendo otros chicos que juraban guardar el secreto, siendo secuestrado y corriendo por el campo en busca de la nave pilotada por Rhonda y Spike para regresar a Melmac.

Hubo otras temporadas de la serie en la que la familia era suprimida y se centraba toda la acción en el propio Dibu, aunque fue una etapa poco prolífica y finalmente el programa pasó a mejor vida. Pero dejó un legado: tres películas de cine, sólo la primera en continuidad con Mi Familia es un Dibujo. Para las siguientes, mantendría a su hermanita Buji, pero protagonizarían historias más relacionadas con las invasiones extraterrestres (eso fue en serio).

Sin dudas fue uno de los mayores eventos televisivos, al menos desde lo técnico, de la época y aunque su calidad estaba dentro de stándares ya vistos, quedó para siempre en el recuerdo. Inclusive recibió tres premios Martín Fierro, el primero por Mejor Telecomedia, el segundo para Stella Maris Closas como mejor actriz y por último el galardón de oro de ese año(chan!).